JAVIER LEÓN
Yoko Ono nació el 18 de febrero de 1933. Su familia pertenecía a la aristocracia en Tokio. Su padre, Isoko Ono, era banquero y en su juventud había sido pianista clásico. Y su madre, Eisuke Ono, era descendiente de una larga línea de eruditos guerreros samuráis. El nombre de Yoko significa “niño del océano”, traducido del kanji.
Yoko conoció a su padre a los dos años de edad. Isoko Ono había sido transferido a San Francisco por el Specie Bank para el que trabajaba. Yoko recibió clases de piano desde los cuatro años. En 1937 la familia se traslada desde Estados Unidos a Japón y ella empezó a estudiar en una de las escuelas más exclusivas de Tokio.
Sobrevivieron a la destrucción durante los bombardeos de 1945 encerrados en un búnker. El hambre luego de la destrucción en Tokio fue masiva. La familia trasladaba sus pertenencias en una carretilla. Esta situación llevó a la artista a desarrollar una actitud “agresiva” y la conciencia de ser una “forastera”, según sus propias declaraciones. Después de la guerra su familia se mudó otra vez a Estados Unidos. Se establecieron en Nueva York.
Yoko permanecerá en Tokio y vuelve a su misma escuela una vez reabrió. La escuela Gakushuin estaba situada cerca del Palacio Imperial y llegó a ser compañera de clases del príncipe Akihito (Tokio, 1933), que fue el 125 Emperador de Japón y actualmente emperador emérito tras abdicar en 2019.
Se gradúa en 1951 y en la misma institución es la primera mujer en ser admitida para estudiar filosofía. Solo estudia dos semestres. Llegará a Estados Unidos a reunirse con su familia en 1952, tiene 19 años de a la edad de diecinueve años. Vivían a 40 kilómetros del centro de Manhattan. Se inscribió en la Sarah Lawrence College, donde estudió poesía, literatura inglesa y composición musical.
Siempre con la desaprobación de sus padres a Yoko le gustaba visitar exposiciones y se reunía con artistas y poetas, lo cual la llevo a tener la inquietud de desarrollar su propia obra. En 1956 deja la universidad y se muda a Nueva York con Toshi Ichiyanagi (Japón, 1933), con quien se casa. Ichiyanagi ya era un músico experimental muy conocido en Tokio y entonces estudiaba en la prestigiosa Juilliard School (conservatorio situado en Nueva York). Por esos días Yoko trabaja de secretaria y ofrece clases en la sociedad japonesa.
FLUXUS
Su primer contacto importante fue La Monte Young (EE UU, 1935) a quien conoció en 1960. Young tenía una bien ganada fama de enfant terrible. Músico con formación académica incursionaba en propuestas experimentales. Había realizado composiciones de una sola nota y fue catalogado como precursor de la música minimalista.
Desde su llegada a Nueva York, La Monte Young se había relacionado con el promotor y artista George Maciunas (Lituania 1931-EE UU 1978). Juntos, a principios de la década de los sesenta, publicaron An Anthology of Chance Operations (An Anthology) un libro de arte neo-dada experimental y composición musical que utilizó la indeterminación inspirada en John Cage (USA 1912-1992). El título completo del libro es Antología de operaciones al azar, arte conceptual, anti-arte, indeterminación, improvisación, trabajo sin sentido, desastres naturales, planes de acción, historias, diagramas, música, poesía, ensayos, construcciones de danza, composiciones matemáticas.
La publicación será un acontecimiento importante para la aparición del movimiento Fluxus y contribuirá en mucho a hacer de Maciunas el amalgamador de esta corriente, que luego convirtió en una asociación de artistas de vanguardia. En la Antología aparecían contribuciones de John Cage y de los editores La Monte Young y el poeta Jackson Mac Low (EE UU 1922-2004). El diseño fue de Maciunas, fueron incluidos Ono e Ichiyanagi. Aparecían proposiciones de George Brech, Walter De Maria, Henry Flynt, Dick Higgins, Nam June Paik y Dieter Roth, entre otros.
Ono asistió a uno de los legendarios cursos de composición experimental con John Cage en la New School for Social Research. Al terminarlo, decidió alquilar un espacio para presentaciones de sus obras y las de sus colegas. Consiguió un loft en Chambers Street en Manhattan, donde organizó junto a La Monte Young entre diciembre de 1960 y junio de 1961 una serie de presentaciones memorables que atrajeron a importantes asistentes. Entre los que visitaron el lugar estuvieron Peggy Guggenheim y Marcel Duchamp, quien fue una influencia importante en la orientación conceptual de la artista.
Durante las presentaciones en el loft de Chambers, Ono se presentó solo una vez. Sin embargo, en el contexto de las presentaciones adelantó algunas proposiciones de las que posteriormente exhibiría en AG Gallery. Un ejemplo es Painting to Be Stepped On (1961), un trozo de lienzo en el suelo que se convirtió en una obra tras la acumulación de las huellas de quienes lo pisaron. Esta proposición apunta hacia un arte accesible, participativo y que no requiere ser montado en una pared.
En 1961, Ono realizó su primera actuación pública importante. Participó en un concierto en el Carnegie Recital Hall de música experimental catalogada como radical.
A Maciunas le gustaba mucho el trabajo de Ono y le organizó la primera exposición individual en su Galería AG en julio de 1961: Paintings and Drawings by Yoko Ono. Exhibió once proposiciones, dos de ellas en dos versiones para un total de trece obras. La galería estaba arruinada, de hecho fue la última exposición que se realizó allí, el horario fue estrictamente diurno ya que incluso le habían cortado la luz.
Nadie compraba el tipo de obras que ofrecía Maciunas, pero esta circunstancia les daba mayor libertad a los artistas. Fueron muy pocas personas a la inauguración y entre ellas estuvieron John Cage e Isamu Noguchi (EE UU 1904-1988). Aquí se expusieron las Instruction Paintings. Obras realizadas con tinta y cera sobre lienzo, y otros materiales.
Tenían el requerimiento de que debían ser explicadas por la artista en persona o en su ausencia por el galerista. Junto a tres de las obras aparecían instrucciones para el espectador en tarjetas. Todo aquello, las trece obras y las tres tarjetas fueron registradas por Maciunas en fotografías que se conservan. Sin embargo, de los originales solo ha sobrevivido una de las tarjetas, la correspondiente a Painting in Three Stanzas (1961), obra que llevaba una planta viva y que acababa cuando esta se secaba.
Se puede interpretar que Ono concibió estas pinturas como prolongación de acciones o performances. Las instrucciones develan la estructura de la pintura en tanto evento y la prolongan a través del requerimiento del espectador de forma directa como en Painting to Hammer a Nail (1962), en la que se solicitaba a los asistentes clavar un clavo en un soporte dispuesto especialmente. Esta obra se ha convertido en uno de los clásicos de la artista y no ha estado exenta de polémicas, como en la ocasión en la que se expuso en el Museo de Seattle en 2009 y los asistentes empezaron a utilizar la propuesta para clavar todo tipo de mensajes e impresos convirtiéndola prácticamente en una cartelera de la comunidad.
En Painting to See in the Dark (1961) la invitación estaba dirigida a la imaginación. Estas instrucciones están relacionadas con partituras en cuanto que compilan los eventos pictóricos haciéndolos repetibles. Así, lo más importante es la instrucción como contenido ideal más que la materialización concreta. De allí el poco interés de haber conservado los originales. Las fotografías que registran las obras son importantes solo como documento, no tienen ningún privilegio especial dentro de la propuesta.
Todos los elementos, lienzos y fotografías son huellas materiales de una obra en proceso. Algunos de los elementos constitutivos de las obras eran perecederos, como la planta en Painting in Three Stanzas (1961). Este aspecto queda manifiesto posteriormente en una de las instrucciones aparecidas en su libro Grapefruit: PINTURA QUE SOLO EXISTE CUANDO ES COPIADA O FOTOGRAFIADA: Hacer que la gente copie o fotografíe los cuadros de uno. Destruir los originales.
Para la exposición de la AG Gallery la artista no parecía considerar las instrucciones como obras de arte, sino como partituras, con lo que el gran paso fue al año siguiente cuando varias de las Instruction Paintings se presentaron como Instructions for Paintings. Fue en el Centro Cultural Sogetsu de Tokio donde presentó su segunda exposición en mayo de 1962. Además de obras sobre papel, la exposición abarcaba música, eventos y poemas. Varias de las obras expuestas el año anterior en AG Gallery en esta oportunidad se presentaban únicamente en forma de instrucción. A pesar de estar separada de su esposo realizaban colaboraciones.
Ono encargó la ejecución de las láminas con las instrucciones a su esposo, quien se especializaba en escritura caligráfica. En aquella oportunidad junto a Ichiyanagi la artista apareció tocando un piano preparado por John Cage. Se exhibieron las instrucciones escritas en caligrafía japonesa sobre papel de ocho obras de las anteriormente exhibidas con Maciunas y otras inéditas. Para este nuevo formato se sustituyó la palabra Painting por Piece. Se trata entonces de las primeras obras de arte visual totalmente basadas en el lenguaje.
En relación con estas obras, el curador e historiador Peter Osborne comenta:
La unidad de la obra deviene ideal gracias a su dispersión en una pluralidad irreducible de manifestaciones instantáneas en distintos medios, inclusive formas documentales; mientras que es el carácter de performance del evento instruido como “acción” el que imparte a esta idealidad una forma lingüística.
La pareja Ono/Ichiyanagi se divorcia en 1962. La depresión la lleva a devolverse a casa de sus padres en Tokio quienes deciden recluirla en un sanatorio. Su amigo Anthony Cox, quien era músico de Jazz y luego se convirtió en productor de cine y promotor de arte, la ayudó y fue esencial para su salida de la institución psiquiátrica. Se casaron y rápidamente Yoko quedó embarazada. Su hija Kyoko nació el 8 de agosto de 1963. Luego regresa a Nueva York y se dedica a su carrera a tiempo completo. Cox se ocupaba de la niña.
La exposición de Yoko Ono en el centro Sogetsu está catalogada junto a la obra Card File, 1962 de Robert Morris (USA, 1931-2018) como obras precursoras del arte conceptual. Se expusieron 38 láminas con los textos, cada una continente de unas instrucciones específicas, han sobrevivido 22 de ellas. En 1964, expone en el Yamaichi Concert Hall en la ciudad de Kyoto introduciendo un nuevo término en este contexto con el que describe la articulación de la instrucción y el objeto.
Se trata de Instructura a la cual la artista define como
Algo que emergió de las instrucciones, pero que aún no ha emergido del todo, que no está lo suficientemente estructurado, nunca está lo suficientemente estructurado… como una iglesia inacabada con el cielo como techo.
Así se presenta por primera vez una de sus obras fundamentales, Cut Piece (1964), en la que se presentó con su mejor traje, arrodillada, frente a unas tijeras dispuestas junto a ella e invitó dándole instrucciones a los asistentes a que se le acercaran y cortaran trozos de su ropa, luego se sentó en silencio hasta que la pieza concluyo a su discreción.
La pieza se presentó posteriormente en el Sogetsu Art Center en Tokio ese año, luego en 1965 en el Carnegie Hall de Nueva York y en 1966 en el Africa Center de Londres como parte del simposio Destruction in Art. Esta obra constituye una expresión mordaz sobre la alienación que caracteriza a las relaciones interpersonales, una reflexión sobre la recepción artística.
Cut Piece pone de relieve cómo la mirada inconsciente tiene el potencial de dañar e incluso de destruir el objeto sobre el que se posa instando al espectador a participar en el acto potencialmente agresivo de desnudar un cuerpo femenino cortando su ropa: “Los espectadores fueron recortando las partes de mí que no le gustaban. Al final solo quedaba yo, firme como una piedra, pero ni siquiera eso les satisfacía: querían saber que había dentro de esa piedra”.
Completamos esta declaración de la artista con una reflexión de la investigadora Peggy Phelan respecto a Cut Piece:
«…contribuyó a forjar un lenguaje para la exploración del trato discriminatorio y, quizás más importante, de la supervivencia que empezó a resonar en las notas más profundas de la fase posterior del arte feminista»
También en 1964 se publica la primera edición de su famoso Libro Grapefruit. Obra fundamental. Se trata de un compendio de instrucciones a través de las cuales los espectadores completan las obras, bien sea, literalmente si así lo desean o en su imaginación. Una pieza ejemplar pudiera ser: Hide and Seek Piece: escóndete hasta que todos se vayan de casa. Escóndete hasta que todos te olviden. Escóndete hasta que todos mueran.
Grapefruit se publicó en una edición de 500 ejemplares, fue editado por Munternarum Press en Tokio. El libro contenía más de 150 trabajos de instrucción en inglés y algunos de ellos traducidos al japonés.
El libro está dividido en cinco secciones: música, pintura, evento, poesía y objeto. Muchas de las instrucciones van precedidas de dedicatorias a John Cage, La Monte Young, Nam June Paik, Isamu Noguchi y Peggy Guggenheim. Cuando se distribuyó Grapefruit por primera vez tenía un precio de seis dólares el ejemplar.
Ono decidió no ser parte formal del Fluxus para mantener su independencia, sin embargo siempre estuvo cercana y llegó a realizar colaboraciones con Maciunas, Charlotte Moorman, George Brecht y el poeta Jackson Mac Low asociados al grupo. De manera que ha sido inevitable que sea considerada parte de Fluxus.
En 2000 la artista instaló de forma permanente la escultura Tajo en el contexto de una retrospectiva que realizó en el Museo Vostell Malpartida en Cáceres, España. Este museo dedicado al Fluxus se trata de un proyecto del artista alemán Wolf Vostell (1932-1998).Tajo (2000) es una versión monumental de Hammer a Nail (1962) en la que en uno de los jardines del museo se encuentran tres grandes cruces cristianas de madera y junto a cada una hay dispuesta una escalera y un tobo de clavos para que quienes lo deseen los claven en dichas cruces.
YOKO Y JOHN
En septiembre de 1966 se realizó en Londres el memorable simposio Destruction in Art organizado por el artista y activista Gustav Metzger (1926- 2017). En este contexto Ono presentó su Cut Piece. Su presentación le valió ser la única artista invitada a presentar posteriormente su propia exposición. En el simposio participaron Al Hansen, Wolf Vostell, John Latham, Gunter Brus, Otto Muhl y Hernan Nitsch, entre otros. La exposición de Ono en Londres se realizó en la Indica Gallery dirigida por John Dumbar (México 1943): Unfinished Paintings and Objects By Yoko Ono.
Esta Galería y librería era un lugar de encuentro para la vanguardia y la contracultura. John Lennon (UK 1940, USA 1980) era amigo de Dumbar y frecuentaba el lugar. Un día antes de la inauguración se apareció allí y coincidió con la artista. Es conocida la anécdota de que Dumbar le comentó a Ono que se trataba de uno de los Beatles a lo que ella respondió no haber escuchado hablar de ellos.
A Lennon le fascinó la exposición, le llamó la atención la obra Hammer a Nail (1962) y quiso ser él quien clavara el primer clavo, pero ella lo detuvo e inmediatamente cedió a condición de que él pagará cinco chelines a lo que él respondió: Te daré cinco chelines imaginarios y clavaré un clavo imaginario.
Sin embargo, la obra que posteriormente Lennon declaró que lo conmovió de aquella muestra fue Ceiling Painting (1963), que se trataba de una escalera en la que una vez al subir había una lupa que había que usar para poder visualizar en diminuto la palabra: “Yes”.
También en este contexto se expuso por primera vez la obra Apple 1966. Una manzana encima de un pedestal de plexiglás con una pequeña placa de latón con la palabra «APPLE» fijada al frente. Asombrado de que el precio de la manzana era de doscientas libras a Lennon le pareció gracioso y la tomó y la mordió frente a la artista, ella se molestó y él adquirió la manzana “doscientas libras para ver descomponerse una manzana fresca” comentó.
Ono describió la obra como “…la emoción de ver cómo se pudre la manzana y la decisión de reemplazarla o simplemente pensar en la belleza de la manzana después de que se haya ido”. La placa con la palabra Apple en el pedestal destaca la yuxtaposición entre su permanencia física y las manzanas que se descomponen sobre el mismo pedestal que es reemplazada cada vez.
Yoko y John comenzaron a mantener correspondencia un año después cuando Lennon accedió a ser patrocinante de la próxima exposición de Yoko Ono en la Lisson Gallery de Londres llamada Half-a-Wind. Para obtener el patrocinio Ono se dirigió a la compañía Apple Corps de los Beatles a entrevistarse con Pete Shotton para solicitarle dos mil libras para su exhibición y tras una llamada de este a Lennon este dio su respuesta afirmativa.
En esta exposición presentó la memorable instalación Half-A-Room (1967), proposición consistente en un conjunto de objetos domésticos cortados por la mitad y pintados de blanco. En la producción colaboró su esposo, Anthony Cox, y estudiantes de arte locales. Los objetos estaban acompañados por botellas de vidrio en un estante, cada botella contiene las palabras «Media X» para cada objeto cortado presentado con la intención de representar sus respectivas mitades faltantes.
Poner las etiquetas en las botellas fue una sugerencia de John Lennon. Sobre esta obra la artista ha manifestado que responde a ese momento de su vida en el que sentía que había un espacio medio vacío en su vida, esto respecto al distanciamiento de su esposo. Parte del manifiesto de la artista fue el siguiente:
Pienso en esta exposición como la cola de un elefante… la vida es solo medio juego. Las moléculas siempre están al borde de la mitad de desaparecer y la mitad de emerger. Alguien dijo que también debería poner a media persona en el programa. Pero ya somos mitades (…). Es triste que el aire sea lo único que compartimos. No importa lo cerca que estemos el uno del otro, siempre hay aire entre nosotros. También es bueno que compartamos el aire. No importa lo lejos que estemos, el aire nos une.
También en aquella exposición en la Lisson Gallery se mostró White Chess Set (1966) propuesta en la que se invita a los asistentes a participar de una partida de ajedrez con un set del juego completamente blanco. Ono se había residenciado en Londres donde había encontrado mayor receptividad de la que había tenido en Nueva York. Poco antes de la exposición Half-a-Wind se presentó en el Blue Coat center de Liverpool el 26 de septiembre de 1967.
Yoko interpretó ‘The Fog Machine: Music of The Mind’ con el estreno de su película Bottoms (Film No.4) la cual se presentaba en el baño de hombres del teatro y causó revuelo. La película, enmarcada dentro de los preceptos Fluxus, presentaba los traseros desnudos en movimiento en un primer plano de muchas personas, entretanto la banda sonora son entrevistas con las personas cuyos traseros aparecen en el film.
La dirección estuvo a cargo de Cox. Se ejecutaron una serie de acciones: Sweep Piece (pieza de barrido), Fly Piece (Pieza de mosca), Bag Piece (pieza de bolsa), Promise Piece (pieza de promesa) y Fog Piece (pieza de niebla), todo esto junto a un grupo de colaboradores. Al final del espectáculo para la Fog Piece la artista es completamente vendada mientras el auditorio se llenaba de humo. El evento Music of the Mind fue un éxito y se presentó ese diciembre en The Saville Theatre en Londres.
A principios de 1968, Los Beatles viajan a la India, allí Lennon escribió la canción «Julia» dedicada a su madre en la que incluyó una línea que dice: El niño del océano me llama, refiriéndose a Yoko. En mayo de 1968, mientras su esposa estaba de vacaciones en Grecia, Lennon invitó a Ono a su casa. Pasaron la noche grabando lo que se convertiría en el disco experimental Unfinished Music N°1: Two Virgins primer trabajo juntos.
Meses después, tras salir la firma de los papeles del divorcio de ambos, el 20 de marzo de 1969, se casaron en la oficina de registro en Gibraltar y celebraron su luna de miel realizando su performance Bed In for Peace, que consistió en una protesta pública no violenta que buscaba experimentar nuevas formas de promover la paz.
Estuvieron en la cama Yoko y John y junto a ellos la hija de ella Kioko. Estaban rodeados de la prensa y de manifestantes y consignas. El performance se extendió durante una semana en el Hotel Hilton de Ámsterdam y otra semana en el Hotel Queen Elizabeth de Montreal. El proceso se filmó y se realizó el documental Bed Peace. Este performance se convirtió en un suceso mediático.
En este contexto grabaron la canción Give Peace a Chance. Otra ocasión por aquellos días en la que la pareja combinó el activismo con el arte escénico fue en Bagism, 1969. Esta acción se presentó por primera vez durante una conferencia de prensa en Viena. Allí satirizaron los prejuicios y los estereotipos al llevar una bolsa sobre todo el cuerpo bajo el precepto de la igualdad y promoviendo una reflexión acerca de una mirada que no se conforme solo con la apariencia física del otro.
En diciembre de 1969, Lennon y Ono difundieron sus mensajes de paz con vallas publicitarias que decían War is Over. If you want it. Happy Christmas from John & Yoko (La guerra ha terminado. Si tú lo quieres, feliz Navidad de parte de John y Yoko). Estas vallas publicitarias se colocaron en once ciudades importantes del mundo.
Ono lanzó su primer álbum en solitario, Yoko Ono / Plastic Ono Band, en 1970 como pieza complementaria de la más conocida John Lennon / Plastic Ono Band de Lennon. Los dos álbumes también tenían portadas complementarias: la de Ono presentaba una foto de ella apoyada en Lennon, y la de Lennon una foto de él apoyado en Ono. Plastic Ono Band nació de la idea de un conjunto imaginario ideado por Yoko Ono, donde cada integrante sería una torre de plástico sin vida ni rostro.
Después de que los Beatles se disolvieron en 1970, Ono y Lennon vivieron juntos en Londres y luego se mudaron permanentemente a Manhattan para escapar del racismo sensacionalista hacia Ono, dada la circunstancia de que se le culpaba injustamente de la separación de los Beatles. En 1971, después de un par de años de haberse divorciado de Cox, él ganó la custodia de su hija. Alegó el consumo de drogas por parte de la artista y desapareció con la niña de ocho años siendo este el episodio más dramático en la vida de Yoko. Ella busco a su hija infructuosamente hasta que se volvieron a ver muchos años después a finales de los años noventa.
En 1971 se realizó This is not here, la primera exposición retrospectiva de la obra de Yoko Ono en el Everson Museum en Syracuse, Nueva York. En este contexto la artista planeó el Water Event en el que algunos de sus amigos debían acudir con recipientes de agua. Participaron Andy Warhol, Bob Dylan, Jack Nicholson y John Lennon, entre otros.
Además de una importante selección del trabajo de Ono a lo largo de la década de los sesenta se presentó aquí por primera vez la instalación Phone in Labyrinth, Telefono en el laberinto, una serie de paredes de cristal que generan un laberinto en cuyo centro hay un teléfono que eventualmente repica y a través de él se puede conversar con la artista, esto con la intención de crear una metáfora de la sociedad real: Las personas somos visibles para todos, pero a menudo no podemos seguir adelante o acercarnos a nuestros semejantes porque nos bloquean paredes transparentes. Estos obstáculos también dificultan que las personas sepan hacia dónde ir, como si la vida fuese un laberinto.
También en 1971 lanza su segundo álbum titulado Fly producido por Lennon. Juntos ya habían realizado el video del mismo nombre, Fly . En este disco aparece la canción Don’t Worry, Kyoko (Mummy’s Only Looking for Her Hand in the Snow)/ No te preocupes, Kyoko (mamá solo busca su mano en la nieve), dedicada a su hija. El video, memorable, se trata de un film en el que aparece la actriz Virginia Lust sedada y una mosca se pasea por su cuerpo deteniéndose a ratos en fragmentos del mismo como en los labios o pezones dando lugar a tomas largas. Utilizaron cientos de moscas para poder obtener la toma apropiada y la película va acompañada de la composición homónima de Yoko que también apareció luego en el disco.
Hemos querido hacer un recorrido por las primeras décadas de la producción de esta artista histórica que aún sigue activa y a cuya obra quizás no se le ha dado la importancia que merece siendo que ha sido objeto de la publicidad sensacionalista y muchas veces misógina, esto ha eclipsado su recepción pública de manera lamentable.
Sin embargo, a finales de la década de los noventa volvió a la escena plástica y durante estos últimos años su obra ha sido objeto de importantes exposiciones retrospectivas como las realizadas en el Guggenheim de Bilbao en 2013 denominada Ono: Half a wind show. Retrospectiva y la realizada en el MoMa de Nueva York en 2015: Yoko Ono: One Woman Show, 1960-1971.
Esta última tomó como punto de partida el debut no oficial de la artista en el MoMA a finales de 1971. En aquel momento ella anunció su One Woman Show (exposición de una sola mujer) en este museo. Sin embargo, cuando los visitantes llegaron al Museo, había poca evidencia de su trabajo. Según un letrero afuera de la entrada, Ono había soltado moscas en los terrenos del Museo e invitaba al público a rastrearlas mientras se dispersaban por la ciudad.
La obra y actividades de Yoko Ono son mucho más extensas de lo expuesto aquí, además de su carrera artística ha sido una incansable activista por la paz participando y apoyando innumerables proyectos al respecto. Cerramos con unas palabras que la artista en el contexto de la primera exposición retrospectiva en Siracusa:
El trabajo de un artista no es destruir sino cambiar el valor de las cosas. . . para cambiar el valor de las cosas, debes conocer la vida y la situación del mundo. Tienes que ser más que un niño. Esa es la diferencia entre el trabajo de un niño y el trabajo de un artista. Esa es la diferencia entre el trabajo de un artista y el trabajo de un asesino. Somos artistas. Artista es solo un estado de ánimo. Cualquiera puede ser artista. No implica tener talento. Se trata solo de tener un cierto estado de ánimo, una actitud, determinación e imaginación que brota.
Yoko Ono, This is not here, 1971
Foto de Matthew Placek © Yoko OnoExposiciones recientes:
A raíz de la guerra en Ucrania iniciada en febrero de 2022 por Rusia, Yoko Ono actuó a la manera como desplegó War is over junto con John Lennon en los años setenta. Imagine Peace se pudo ver en las vallas y pantallas publicitarias de distintas partes del mundo cada noche durante todo el mes de marzo. El video es en Picadilly.
Javier León es artista visual e investigador de arte.
Publicado con autorización de Estilo, revista de Arte, Caracas. Estilo on line
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