Rauschenberg/ En la raíz interdisciplinaria

Javier León

FOTOS ROBERT RAUSCHENBERG FOUNDATION

El arte no tiene fronteras.
La especialización conduce a la esterilización cultural.
Un artista es un diplomático, un profeta, un historiador, un poeta y un calendario de alimento de moralidad y energía.

Robert Rauschenberg

Milton Ernest Rauschenberg (1925-2008) nació en Port Arthur, Texas y desde muy temprano adoptó el nombre de Robert Rauschenberg, Su madre, Dora Carolina Matson, tenía ascendencia holandesa. Su padre, Ernest Rauschenberg, era de ascendencia alemana y cherokee. Ambos eran cristianos fundamentalistas. Tuvo una hermana menor llamada Janet. Llevaban una vida provinciana y austera.

Fue reclutado por la Marina en 1944 y es asignado al Hospital de la Marina de San Diego, donde se desempeñó como enfermero en la sección de enfermos mentales hasta su alta un par de años después. De los viajes realizados, cuando obtenía permiso para salir del hospital, nace su interés por el arte y es así como decide profesionalizarse en el área.

Se matricula primero en el Kansas City Art Institute y luego en París en la Academia Julián donde se sintió incómodo con el idioma y con la orientación académica de esta escuela.

En Francia conoció a Susan Weil (1930), también estadounidense. En 1948 decidieron inscribirse en el Black Mountain College. Susan y Robert se casaron en 1950 y tuvieron su único hijo en 1951. La pareja se separa en 1952 y se divorcia en 1953. Durante este período tenían residencia en Nueva York que alternaban con el College. Ambos realizaron obras en colaboración.

Debido a la precaria economía, la pareja tenía que usar materiales baratos. Por ello decidieron experimentar con papel para heliografías, económico entonces. Desenrollaban el papel sobre el piso, creaban composiciones poniendo objetos sobre él y repasándolos con una lámpara portátil hacían impresiones tamaño natural. Luego incluyeron sus cuerpos enteros.

Aunque existe registro de estos trabajos, solo sobrevive Female Figure de 1949. Estas experiencias repercuten en 1968, en la creación de Booster, una litografía de su cuerpo radiografiado tamaño natural, catalogada entre sus obras más importantes.

La Black Mountain College, una universidad privada Fundada por John Andrew Rice, funcionó en Carolina del Norte entre 1933 y 1957. Desde 1941, contó con sus propias instalaciones, construidas por algunos profesores y estudiantes al lado de un lago llamado Edén.

En Black Mountain se implementó un novedoso sistema educativo, en el que el arte era el núcleo de la educación. El pensamiento del filósofo John Dewey (1859-1952), considerado el padre de la pedagogía progresista, fue una influencia importante para la concepción de la universidad. Ofrecía una educación interdisciplinaria, lo que atrajo a artistas, poetas y diseñadores que se convirtieron en profesores del college.

La administración y gestión se llevaban de forma colegiada entre alumnos, profesores y las esposas de estos últimos. Empezó con 13 profesores para solo 21 alumnos. El alumno se convertía en el verdadero eje de toda la enseñanza.

La creación y primeros años de la universidad coincidieron con la gran recesión económica y la Segunda Guerra Mundial, esto atrajo a estudiantes alemanes y a quien fuera su segundo director Josef Albers (1888-1976) y a su esposa Anni Albers (1889-1994), que era una destacada artista del textil.

A la Black Mountain también se le conoce como la Bauhaus estadounidense. Esto sin olvidar el Chicago’s New Bauhaus/Instituto de diseño fundado por el importante artista László Moholy-Nagy (1895-1946), también profesor de la Bauhaus, institución más enfocada en el diseño industrial.

La educación en Black Mountain nunca estuvo ligada al concepto de lo industrialmente útil ni estuvo subsumida por cuestiones políticas nacionales. No se trataba de una escuela de artes, sino de estudios liberales que ponía al arte en el centro de un experimento pedagógico.

En un ejemplar de la revista Time en 1948, Rauschenberg leyó sobre Albers y sus métodos de enseñanza y atraído por ello decidió matricularse en la Black Mountain College. Una vez inscrito en los cursos Robert se convirtió para su maestro Albers en ejemplo sobresaliente de lo que no debía hacerse.

En esta universidad Rauschenberg conoció a John Cage (1912-1992), quien era ya un compositor de vanguardia establecido y a la postre se convertiría en figura seminal de la neo-vanguardia norteamericana desde los años cincuenta.

Cage, al igual que Rauschenberg, se había alejado de su mentor Arnold Schoenberg en una búsqueda más experimental. Cage sirvió de estímulo para Rauschenberg, que contó con su apoyo y amistad. Fueron colaboradores artísticos durante años.

En Black Mountain se realizó en 1952 una de las obras más importantes en la historia del arte interdisciplinario, Pieza de teatro N°1 de Cage. El primer happening en la consideración de muchos. Francis du Plessix, una de las asistentes recordó:

A las 8:30 de la noche, John Cage subió a una escalera de mano hasta las 10:30. Habló sobre la relación de la música con el budismo zen mientras se proyectaba una película. Los perros corrían por el escenario ladrando, 12 personas bailaban sin ningún ensayo previo, se tocaba un piano preparado, los silbatos sonaron, los bebés gritaron, los discos de Edith Piaf se reprodujeron a doble velocidad en una máquina de principios de siglo.

Era Rauschenberg quien activaba la vitrola y mantenía acelerada la música de Piaf. Cage fue pareja por décadas del bailarín y coreógrafo Merce Cunningham cuya compañía, la Merce Cunningham Dance Company, fue fundada en el Black Mountain en el verano de 1953. Esta compañía se mantuvo entre la vanguardia de la danza contemporánea estadounidense por más de medio siglo. Entre 1954 y 1965 Rauschenberg realizó memorables colaboraciones con Cunningham.

En Black Mountain College, Rauschenberg conoció a Buckminster Fuller, Robert Motherwell y Franz Kline. Allí experimentó una variedad de medios artísticos: grabado, dibujo, fotografía, pintura, escultura, danza y teatro. En ocasiones presentaba combinaciones de estos. También allí creó sus célebres White Paintings en 1951, algunas de ellas exhibidas en el contexto de la acción precursora Pieza de Teatro N°1.

Ese mismo año también realizó las pinturas negras Night Blooming que produjo presionando guijarros y grava en pigmento negro sobre lienzos previamente preparados con texturas realizadas con papel periódico.

Un par de años después, en Nueva York, realizó su última serie monocroma, las Red Paintings. Estas series, en especial las blancas y las negras, no llamaban la atención por una particular pincelada. Funcionaban como tabula rasa. Su interés era operar como espejos de su entorno y registrar en su superficie variadas condiciones lumínicas y las sombras proyectadas en la superficie de los espectadores.

Se observa en estas obras la influencia del budismo Zen de las lecciones de Cage y también la herencia de la reducción formal y la aplicación básica del color al plano inculcados por Albers.

La coreógrafa Trisha Brown (1936-2017), otra gran figura fundamental para la danza posmoderna, fue muy cercana al artista y mantuvieron exitosas colaboraciones durante cinco décadas, desde los años sesenta cuando se conocieron en las clases de Cunningham. Estas colaboraciones fueron fundamentales para el desarrollo de sus investigaciones de lo visual y lo cinético.

Brown y Rauschenberg se influenciaron profundamente el uno al otro. Brown habló de su «extraña conexión» que cimentó su amistad de toda la vida e impulsó sus numerosas colaboraciones en presentaciones. Tras la formación de Trisha Brown Dance Company, en 1970, Rauschenberg fue presidente de la junta y se convirtió en un ferviente defensor de esta empresa durante toda su vida.

Luego de separarse de su esposa, Rauschenberg sostuvo relaciones íntimas con el artista Cy Twomly. Entre otoño de 1952 y primavera del año siguiente viajaron por Italia y por el Norte de África. Durante esta estada en Europa produjo collages y esculturas de pequeño formato. Las series Feticci Personali y Scatole Personali a partir de materiales encontrados.

Los expuso en la Galleria L’Obelisco de Florencia y Roma. Los Feticci estaban constituidos por pieles de animales, madera, cuerda y pequeños objetos. Estaban inspirados en artefactos rituales africanos. Hoy todos han desaparecido. Fue la primera vez que aplicó la colocación de elementos suspendidos en su trabajo, técnica que perfeccionará y aplicará recurrentemente durante décadas.

Los Scatole son ensamblajes realizados con objetos encontrados e intervenidos algunos de ellos. A pesar de haber recibido alguna crítica desfavorable en la prensa, se vendieron varias obras. De vuelta en Nueva York en 1953, los dos artistas realizaron una exposición en la Stable Gallery.

Para 1953 el expresionismo abstracto estaba en auge y uno de sus exponentes más encumbrados era Willem de Kooning (1904-1997). Siendo un artista todavía poco conocido, Rauschenberg se acercó a De Kooning para solicitarle un dibujo suyo participándole que era con la intención de borrarlo y este accedió obsequiándole un dibujo que era muy apreciado para él y difícil de borrar.

Le llevó un mes borrarlo y al concluir enmarcó el dibujo con una placa que lo identificara con el nombre: Erased de Kooning Drawing (1953). Esta obra ésta catalogada entre las precursoras del arte conceptual. Varias de sus experimentaciones son referencias en ese sentido.

Otro ejemplo importante al respecto es This is the First Half of a Print Designed to Exist in Passing Time (esta es la primera mitad de una impresión diseñada para existir con el paso del tiempo) de 1949. Un cuaderno engrapado y amarrado con el título en la portada y 14 xilografías con una secuencia en la que una superficie negra aparece cada vez más rasgada por líneas blancas que la atraviesan. También Automobile Tire Print de 1953, en la que estampó la huella de un neumático utilizando un automóvil como prensa.

En 1961, Rauschenberg exploró un enfoque conceptual más radical al presentar una idea como la obra de arte. Fue invitado a participar en una exposición temática en la legendaria Galería Iris Clert de París. Los artistas debían presentar un retrato de Clert. La colaboración de Rauschenberg para la exposición consistió en un telegrama que declaraba «Este es un retrato de Iris Clert si yo lo digo». Al principio fue desechado por la galerista, pero luego lo incluiyó en la exposición.

En 1953, Rauschenberg conoció a Jasper Johns con quien también sostendrá una relación íntima. Ambos son catalogados como los principales representantes del Neo-Dadaísmo. Rauschenberg tuvo influencia directa de los collages de Kurt Schwitters y de los Ready-Made de Marcel Duchamp, a quien conoció en 1960 en Nueva York y con quien entabló amistad.

Durante los años cincuenta, para mantenerse, Rauschenberg realizaba diseños de vitrinas para Tiffany & Co. y Bonwit Teller, primero con Susan Weil y luego en sociedad con Jasper Johns. Utilizaba el seudónimo de Matson Jones. A mediados de los años cincuenta se producen las obras más célebres del artista, los combinados. Tridimensionales que incorporaban elementos pictóricos y escultóricos, una síntesis que causó conmoción en la escena artística.

Entre los primeros ejemplos se encuentran Collection y Charlene y los más celebrados, catalogados obras maestras Odalisque, Bed y Monogram. Son montajes que entrelazan los temas y su significado con la abstracción. En palabras de Tilman Osterwold:

El ámbito de las experiencias personales se pone en contacto con los símbolos y los objetos de la sociedad del consumo y el despilfarro (…) Mediante la nueva combinación el artista eleva los temas a niveles semánticos superiores.

Con algunas de estas obras realiza en 1958 su primera exposición en la galería de Leo Castelli, con quien mantendrá una relación por el resto de su vida. En la exposición la única obra que se vendió fue la célebre Bed de 1955, adquirida por el propio Castelli. Bed es la colcha de su cama extendida sobre un bastidor, al que previamente se tensó una sábana y también se incluyó una almohada, elementos a los que aplicó estratégicamente pintura y colgó en la pared. La obra causó polémica. Hoy forma parte de la colección del MoMA.

Monogram, justamente se llama así, por haberse convertido en la obra que más identifica al artista y se ha visto en ella un poderoso fetiche sexual, una imagen de la cópula con la consecuente comparación con Duchamp.

También en1958, organizó con Jasper Johns una retrospectiva del trabajo de John Cage desde 1934. Un concierto histórico en el Town Hall del ayuntamiento de Nueva York.

También en los años de la Black Moutain siguió cursos de fotografía. Empezó a tomar fotografías antes de dedicarse a la pintura y será un recurso que utilizará toda su vida. Interesante ejemplo lo constituye CY and Roman Steps (1952), en la que aplica el sistema de secuencia y serie, y cuya progresión evoca a This is the First Half of a Print Designed to Exist in Passing Time de 1949.

Desde 1958, Rauschenberg desarrolla una técnica de transferencia para instrumentar el uso de imágenes fotográficas aparecidas en prensa transferidas directamente al lienzo. Desarrolló está técnica durante la producción de la serie Thirty-Four Illustrations for Dante’s Inferno (1958). Una serie de dibujos transferidos que ilustran los 34 cantos del Infierno de Dante. Se asesoró con el especialista en la obra del poeta florentino Michael Sonnabend y le proporcionó un contexto contemporáneo al poema al incluir figuras populares como John F. Kennedy.

La fotografía tendrá un lugar determinante en la obra de Rauschenberg. Del año 1981, cuando se realizó la exposición Robert Rauschenberg, photographe en el Centre Pompidou, es el siguiente manifiesto del artista acerca de la fotografía:

Mi preocupación por la fotografía al principio (1949) fue apoyada primero por un conflicto personal entre timidez + curiosidad. La cámara funcionaba como escudo social. En 1981 pienso en la cámara como mi permiso para caminar hacia cada sombra o mirar mientras cambia la luz. Es la necesidad de estar donde siempre nunca volverá a ser lo mismo; un tipo de arqueología a tiempo solamente, obligándolo a uno a ver lo que sea que toque la luz o la oscuridad, y se preocupe. Mi preocupación es moverme a una velocidad interna para actuar. La fotografía es la comunicación más directa en los contactos no-violentos

En 1959 participa en la Documenta 2, Kassel, Alemania, y en las bienales de Sao Paulo y París. Desde inicio de los sesenta también las pinturas de Rauschenberg incorporan objetos e imágenes encontradas. Conoció a Andy Warhol en 1962, fueron amigos y compartieron técnicas por algún tiempo.

Rauschenberg comenzó a utilizar un proceso de serigrafía para transferir fotografías al lienzo. Las pinturas en serigrafía realizadas entre 1962 y 1964 constituyen su período más relacionado con el arte pop. Ejemplo sobresaliente de este período es Buffalo II (1964), vendida en 2019 por 88,8 millones de dólares.

En 1963 se realiza la primera exposición retrospectiva de su obra en la Galerie Sonnabend, París, que itineró al Museo Judío de Nueva York y se  presentó el año siguiente en la Galería Whitechapel, en Londres.

Rauschenberg subvierte el expresionismo abstracto cuando despersonaliza su dinámica expresiva característica al sustituirla y mezclarla con procedimientos mecánicos

En 1964, Rauschenberg fue el primer artista estadounidense en ganar el Gran Premio en la Bienal de Venecia. Desde entonces gozó de un importante apoyo institucional. Participó con tres obras Express (1963), Studio Painting (1960-61) y Tree Frog (1964).

Las obras de esta época están muy relacionadas con el action painting. No obstante, el artista subvierte el expresionismo abstracto al despersonalizar su dinámica expresiva característica sustituyéndola y mezclándola con procedimientos mecánicos para implementar imágenes figurativas que suprimen la expresividad de las formas abstractas características de aquel movimiento.

Estableciendo una comunicación entre el contenido y la forma estas obras resultaron novedosas, incluso rompedoras respecto a las de sus colegas abstractos, y obtuvieron una recepción exitosa. Sin embargo, esto fue posible no solo porque el expresionismo abstracto allanó el camino, sino también porque estas obras asimilaron e instrumentaron muchos de los procedimientos de aquellas de manera que el Neo-dadaísmo no resultaría tan antagónico al expresionismo abstracto como era percibido por aquellos años.

El curador David Galloway subraya como un factor determinante para el desarrollo de la obra de Rauschenberg y sus colegas del Pop Art, el acceso a formidables talleres a precios irrisorios. Muchas fábricas que hasta entonces habían funcionado en las afueras de la ciudad estaban abandonando sus espacios por problemas de tráfico, almacenamiento, altos costos e impuestos. Esto propició lo que llamó el Loft Movement.

Fue así como en su taller en Nueva York Rauschenberg pudo pintar cuadros y construir objetos a una escala tan monumental como difícilmente le habría sido posible producir en cualquier otro lugar. Desde los primeros Combinados, el artista experimentó con la tecnología introduciendo radios, relojes, ventiladores, etc.

Desde 1966 inició colaboraciones con el científico Billy Kluver, de Bell Laboratories. Juntos desarrollaron las experiencias más ambiciosas de Rauschenberg en el campo de la tecnología. Ejemplar resulta Soundings (1968), instalación de luz que respondía al sonido ambiental.

En 1966, crearon EAT (Experiments with Arte and Tecnología) una fundación sin fines de lucro con el propósito de “servir de catalizador en la inevitable reunión entre la industria, la tecnología y el arte”. El proyecto más ambicioso adelantado por la fundación fue el pabellón de Pepsi-Cola presentado en la Expo70 de Osaka, Japón.

EAT sirvió de puente para el proyecto del Museo Lunar de Forrest Myers en 1969. El artista ideó una oblea cerámica en la que fueron grabados los dibujos de cinco reconocidos artistas y uno del propio Myers utilizando técnicas usadas para producir circuitos de teléfono.

Se crearon cerca de veinte de estas obleas y una fue instalada en el módulo de aterrizaje lunar del proyecto Apolo 12 de la NASA. Con Myers colaboraron Robert Rauschenberg, David Novros, John Chamberlain, Claes Oldenburg y Andy Warhol. En 1968, la NASA lo invita a visitar el Kennedy-Space-Center para tratar desde un punto de vista artístico el despegue de la nave Apolo.

Rauschenberg creó la serie de litografías Stoned Moon en la que combina diagramas e imágenes de archivo de la NASA con sus propios dibujos y textos. En 1967 se le otorga, junto con Martin Luther King, un doctorado honoris causa del Grinnel College, Iowa.

Rauschenberg se muda a su casa estudio en Captiva, Florida, en 1970. En este lugar establecerá su centro de operaciones de forma definitiva. Proclive a viajar por el mundo y con una energía creativa que llevó al crítico Robert Hughes a definirlo como «el más vital de los artistas» desarrolla una actividad permanente. Desde este momento, su trabajo se desarrollará serie tras serie, siempre experimentando y generando un lenguaje propio. Nunca dejó de fotografiar y construyó un gigantesco cuerpo de obras y archivos que en buena medida se encuentran hoy en la Robert Rauschenberg Foundation, en Captiva.

Sin embargo, su medio predilecto y en el que parece alcanzar mayor maestría es la gráfica. Desde principios de los años sesenta realiza sus primeras litografías en el taller de Tatyana Grosman y ya a finales de esa década trabajaba con los dos mejores impresores de USA: Grosman, en la costa oeste, y Kenneth Tyler, director del prestigioso taller Gemini en Los Ángeles.

En los Gluts, su última serie de esculturas producida entre 1986–95 ensambla objetos de metal como señales de tráfico, tubos de escape, rejillas de radiadores o persianas.

«Vivimos en una época de excesos. La avaricia es ilimitada», dijo Rauschenberg refiriéndose a esas obras para los cuales se inspiró en la crisis económica de Texas, derivada de los excedentes (glut en inglés) de petróleo existente en el mercado.

ROCI-RAUSCHENBERG, INTERCAMBIO CULTURAL DE ULTRAMAR

Rauschenberg fue un fervoroso creyente del poder transformador del arte en la sociedad. Más de una vez arriesgó su reputación y brindó su tiempo a causas sociales. Contribuyó al movimiento por los derechos de los artistas al apoyar un proyecto de ley para garantizar el pago de comisiones en la venta de obras. Organizó y patrocinó el Change Inc., un fondo de ayuda que le proporcionaba subvenciones a artistas con problemas de dinero. En este sentido, el Overseas Culture Interchange fue su proyecto más ambicioso. En un extracto del manifiesto de este proyecto el artista escribe:

Con base en mis diversas colaboraciones itinerantes, me es posible creer firmemente que el contacto directo que se establece mediante el arte posee una enorme influencia pacificadora y que este es el medio menos elitista de compartir información poco común, o por el contrario, muy conocida, con el deseo de conducirnos a la recíproca comprensión creativa que será benéfica para todos.

ROCI fue una exposición itinerante internacional a gran escala organizada y autofinanciada por Rauschenberg. Además de la exposición, el interés del artista era propiciar el intercambio cultural. Fue durante un viaje de tres semanas a China en 1982, cuando realizó en el marco de un proyecto en conjunto con los talleres Gemini, que surgió la idea de ROCI.

Fue a trabajar en Xuan, la que se conoce como la más antigua fábrica de papel del mundo, en Jingxian, provincia de Anhui. Aunque tenía los permisos correspondientes, los chinos fueron sumamente celosos de que los estadounidenses les pudieran robar el secreto de la fabricación del papel y lo hospedaron a sesenta kilómetros de la fábrica.

Sorprendido de las privaciones de libertad de los chinos de viajar en su propio país concientizó sobre la desconexión existente entre las diferentes culturas, y esto lo motivó a desarrollar la idea de una exposición itinerante a gran escala que además funcionara como intercambio cultural.

Dada su experiencia en China, decidió enfocarse en áreas sensibles, es decir, en países donde la libertad de expresión fuera limitada, países con poco contacto con la cultura estadounidense o, sencillamente, países con limitaciones en el desarrollo del sector cultural.

Crearía obras basadas en materiales locales, realizaría una exposición y dejaría como regalo una de las obras en la institución anfitriona. La exposición iría mutando en la medida en que además de un conjunto de obras representativas del artista, se expondría en cada país la producción realizada específicamente con material de esa localidad además de algunas de las obras de los países anteriores donde se realizara la experiencia.

Entre 1984 y 1990, Rauschenberg y su equipo realizaron la exposición ROCI en diez países: México, Chile, Venezuela, China, Tíbet, Japón, Cuba, la Unión Soviética, Alemania Oriental y Malasia, que concluyó en 1991 en Estados Unidos. El proyecto generó más de 125 obras y más de 2 millones de personas tuvieron la posibilidad de asistir a una de estas exposiciones. La inversión superó los 11 millones de dólares, mayoritariamente financiados por el propio artista.

La exposición en China fue visitada por más de 300.000 personas, un hito en ese país. También tuvo un importante éxito en Moscú, donde se presentó gracias a la apertura de Mikhail Gorbachev. Fue un proyecto significativo en el contexto de la globalización del arte contemporáneo. Promocionó la idea de un arte comprometido con el hecho social.

ROCI concluyó en Washington, en la National Galllery. Recibió duras críticas. Roberta Smith, en el New York Times, describió el concepto como «a la vez altruista y autoengrandecedor». Otro crítico llamó a Rauschenberg un «arte imperialista». Sin embargo, la exposición fue un éxito de asistencia. ROCI tuvo un impacto importante sobre todo fuera de los Estados Unidos.

En 2017, la historiadora del arte Hiroko Ikegami publicó un par de artículos sobre el proyecto ROCI en la página del MoMA en los que rememora como la exposición en China «se recuerda como un catalizador decisivo en el movimiento de arte de vanguardia emergente».

El proyecto ROCI dictó cátedra en cuanto a logística, producción, curaduría y museografía en los países donde estas áreas estaban poco desarrolladas o aún presentaban déficits evidentes.

ROCI VENEZUELA

En el caso de Venezuela, la investigadora María Luz Cárdenas, que para el momento de la exposición se desempeñaba como investigadora en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, relató la importancia que tuvo la recepción de este proyecto para la institución. Recordó especialmente la calidad de los embalajes en que llegaron las obras y de cómo fueron utilizados como modelo en el MACC para la posterior optimización de los embalajes producidos en el museo.

La obra donada por Rauschenberg al MACC, Orden urbano, se convirtió en una de las obras estandartes del museo y se ha expuesto casi de manera permanente desde entonces.

En junio de 1985, Rauschenberg viajó a Caracas, Maracaibo y al Territorio Amazónico para los preparativos para ROCI Venezuela. Realizo muchas fotografías y videos. La exposición se inauguró en septiembre en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Rauschenberg realizó una serie de pinturas y collages sobre lienzo y contrachapado. De las más de doscientas obras expuestas una docena de ellas eran realizadas con material generado en el viaje a Venezuela. Donó una de estas doce obras como obsequio al MACC. Recibió la medalla Andrés Bello por logros sobresalientes en los campos de la cultura y la educación, otorgada en nombre de Venezuela por el presidente Jaime Lusinchi.

No faltaron las polémicas. En un artículo publicado en El Universal el 5 de otubre de 1985 el artista venezolano Oswaldo Vigas rechazó abiertamente la exposición de Rauschenberg en el MACC esgrimiendo argumentos nacionalistas. Estas opiniones tuvieron respuesta por ese mismo medio, días después, el 11 de octubre, por el artista Miguel Von Dangel, quien tildó de chauvinista a Vigas y ensayó una estridente descarga crítica, eso sí, ensalzando a Rauschenberg:

“Un chivo embalsamado aprisionado por una llanta de automóvil se convertía en monograma, desde las colinas de desechos de Port Arthur hasta la confirmación de un proceso histórico abierto a la libre interpretación del hombre para la humanidad”, comentó Von Dangel.

Para la ocasión se publicó un estupendo catálogo cuyo diseño estuvo a cargo de Nedo M. F, con una presentación de Sofía Imber. Una de las virtudes de este catálogo es que algunas de las obras se muestran al lado imágenes que forman parte del material de archivo con el que se realizaron. Contiene un ensayo crítico del historiador Robert Hughes y la conferencia que dio en Caracas el curador David Galloway.

Para cada país, ROCI contemplaba la solicitud a un reconocido intelectual local para la elaboración de un texto, en este sentido el catálogo de Venezuela recoge los textos de Octavio Paz y José Donoso de México y Chile, donde se habían presentado ya la exposición. Concluimos con una breve cita sobre Rauschenberg de quien fuera el encargado del texto en Venezuela:

Es un arte de sobrevivientes de un desastre, hechos de materiales recogidos y dispersos, reunidos al azar en insólitas asociaciones, por recolectores de restos y fragmentos que parecen querer salvar algo. Es en ese ambiente, aparece y toma su rumbo Robert Rauschenberg. Su obra es uno de los más elocuentes testimonios de esa dramática situación.

Arturo Uslar Pietri

Javier León es artista visual e investigador del arte.

Published in Fundación Cultural Estilo in Arte

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