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LOS LOCOS AÑOS VEINTE

La década de los años veinte fue una época de progreso y de reacción a la traumática experiencia vivida en la Primera Guerra Mundial y la pandemia que le siguió en 1918, de características similares a la actual del coronavirus, que provocaron un intenso deseo de vivir en la gente, un ímpetu que se refleja en la exposición

Los años veinte del siglo pasado supusieron una explo­sión de creatividad y de liberación en todos los ámbi­tos artísticos y también de estilo de vida, alumbrándose unos cambios de indudable vigencia en nuestros días. Una de las novedades principales de esta muestra es la pionera colaboración entre el Museo Guggenheim Bil­bao y el reputado dramaturgo y director operístico Calixto Bieito, que se encarga de la escenografía dando lugar a un enriquecedor diálogo entre las artes plásticas y las artes escénicas.

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Los locos años veinte, una exposición patrocinada por BBK, que muestra un estimulante reco­rrido por la rompedora década de 1920 a través de más de 300 ob­jetos representativos de las disciplinas artísticas más relevantes del momento; desde la pintura, la escultura o dibujo, hasta la fotografía, el cine, el collage, la arquitectura o el diseño de mobiliario.

La muestra acercará al visitante del museo a ciudades europeas como Berlín, Pa­rís, Viena y Zúrich, donde se estaban produciendo grandes cambios y avances en todos los ámbitos, muchos de los cuales continúan vi­gentes hoy día.

Aunque no se pueden equiparar la década actual y la de los años veinte, exis­ten paralelismos sorprendentes entre ambas. La sociedad de hace un siglo vivía dominada por el trauma de una pandemia y sumida en una gran recesión económica tras la Primera Guerra Mundial. Pero al mis­mo tiempo fue una década de progreso, de explosión de la creatividad y de liberación, por lo que esta mirada al pasado ofrece ideas alenta­doras e inspiración de cara al futuro.

Como valor diferencial con res­pecto a otras muestras dedicadas a esta época, la exposición Los locos años veinte refleja a lo largo de siete capítulos narrativos el intercam­bio entre diferentes movimientos como la Bauhaus, el Dadaísmo o la Nueva Objetividad, e incluye iconos de la arquitectura y del diseño, que revelan la diversidad formal que caracterizó aque­llos años transformadores.

Una experiencia de libertad creativa en años locos y divertidos

Esta muestra va más allá de los clichés de la década de 1920 para explorar aquellos movimientos estéticos que fueron tan influyentes e importantes que todavía están vigentes en el presente, aunque no nos demos cuenta de ello. En la misma se inclu­ye, además, la obra de artistas contemporáneos que emplean de ma­nera expresa el lenguaje formal y los temas de la década de 1920, en­lazando así con el momento presente.

Otra de las novedades principales de esta muestra es la pionera colaboración entre el Museo Guggenheim Bilbao y el reputado dra­maturgo y director operístico Calixto Bieito, que se encarga de la es­cenografía produciéndose una enriquecedora relación entre las ar­tes plásticas y escénicas. El actual director artístico del Teatro Arriaga de Bilbao y director residente del Teatro de Basilea, además de contar con una vibrante carrera internacional a lo largo de la cual ha dirigido más de 80 óperas y obras de teatro, es un profundo conocedor de la época, lo que le permite aportar a la exposición una concepción escé­nica a un tiempo intelectual y emocionante.

Se trata, en fin, de una muestra que va a sorprender al público, en la que no se trata de reconstruir o recordar de manera nostálgica, sino de retener en la memoria y hacer sensorialmente evidentes nuestros orígenes culturales y poner de relieve cómo distintas fases de la his­toria son similares y diferentes al mismo tiempo. En palabras de la curator de la muestra en Bilbao, Petra Joos, “los años veinte del siglo pasado supusieron una explosión de creatividad, de liberación eróti­ca, de pulsión sexual y de feminismo, pero también de trauma, lucha y economía salvaje y despiadada.

Y toda esta ‘locura’ se refleja en el Museo Guggenheim Bilbao de una forma muy especial, gracias a la dirección de la escenografía por parte de Calixto Bieito. El prestigioso director escenográfico de la muestra plantea un reto o llamamiento: “Aprovechemos la experiencia de los locos años veinte para confiar en la libertad creativa y no caer en los errores que sumieron al mundo en una de sus mayores catástrofes. Que nuestros años veinte del siglo XXI no se conviertan en Infinite Jest (la broma infinita)”.

RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN

La de 1920 es una década marcada por las dificultades, pero al mismo tiempo por el progreso: las ciudades crecieron a una velocidad ver­tiginosa, el concepto patriarcal de familia fue cuestionado y transfor­mado y los grupos sociales desfavorecidos se hicieron oír en la cul­tura y en la política.

Por otro lado, las mejoras en las condiciones de los trabajadores fueron de la mano de una creciente industria del ocio y un espíritu in­novador alimentaba al arte, en el que la experimentación abarca a to­das las disciplinas.

SALA 205. ADIÓS AL TRAUMA DE LA GUERRA

La ausencia de un enemigo visible, el desgaste de una guerra inter­minable y la anónima capacidad de destrucción de las armas fabrica­das en masa traumatizaron a la sociedad. En aquel entonces, cuando el conflicto aún proseguía, un virus influenza al que se le dio injusta­mente el nombre de “gripe española” (se llamó así porque la prensa de este país, no sujeta a censura, fue la primera en informar ampliamen­te de ella) se propagó por todo el mundo llevándose consigo a millo­nes de personas, en una pandemia que se extendió entre 1918 y 1920.

Este período se caracteriza por una sensación de realidad que vino determinada por un mundo cada vez más fragmentado y acelerado; como el pintor Fernand Léger describió en 1924: “Nunca hubo una época tan ávida de espectáculo como la nuestra. […] Este fanatismo, esta necesidad de distracción a cualquier precio, son la reacción ne­cesaria contra esta vida que llevamos, dura y llena de privaciones”.

Un descubrimiento importante que tiene reflejo en la muestra fue la mecánica cuántica, un campo profundamente influido por las ideas de Werner Heisenberg, Max Born y Niels Bohr, que obtuvieron el Pre­mio Nobel. A raíz de este conocimiento, lo importante ya no es la construcción del átomo, sino los procesos que la acompañan. Como consecuencia, los hasta entonces estáticos conceptos de identidad, causalidad y objetividad dan paso a los de ambivalencia, azar e incer­tidumbre, en constante movimiento.

SALA 206. NUEVOS ROLES, NUEVOS MODELOS

Las nuevas ideas en torno a los roles sociales del hombre y la mujer están muy ligadas a la Primera Guerra Mundial y sus consecuencias. Dado que los hombres estaban luchando en el frente, las mujeres ad­quirieron y reclamaron nuevas libertades, tanto a nivel laboral como familiar, y con ellas, una cierta autonomía. La introducción gradual del sufragio femenino en muchas partes de Europa a partir de 1918 fue su manifestación más poderosa.

Esta transformación puede encontrarse claramente en las modas de la época. Entre los hombres, la barba dio paso al afeitado y al ca­bello engominado, el bombín sustituyó al sombrero de copa, mientras que el traje más informal y la elegante corbata remplazaron a la rígi­da levita.

En cuanto a la mujer, el pelo corto hacía furor, junto con los vestidos a la rodilla y sin cintura, o el cigarrillo ocasional que fumaban en elegantes poses. Por toda Europa, las novelas y la investigación de­safiaban las costumbres sexuales convencionales y rompían los ta­búes que rodeaban a ciertas “perversiones”.

En París en 1922 se publicó el best-seller de Victor Margueritte La Garçonne, con ilustraciones de Kees van Dongen en 1925, mientras al mismo tiempo en Berlín se publicaba Wege der Liebe (Los caminos del amor) de Alexandra Kollontai. Para esta autora, la pasión y el amor definen algunas fases más específicas que continuadas de la vida de la “mujer moderna y trabajadora”, y por supuesto, una mujer podía ser madre sin necesidad de estar casada.

Surgieron nuevas profesio­nes, como el secretariado, mientras que se cuestionaba el contenido de ciertos puestos de trabajo; algunos son analizados en la muestra de manera más detallada.

SALA 207. NUEVAS MANERAS DE VER

Cuando hablamos de “nuevas maneras de ver”, solemos pensar en la década de 1970, cuando la televisión se convirtió en objeto cotidiano en los hogares occidentales. Sin embargo, en los años veinte, la ve­locidad, que se manifestaba en forma de mayor movilidad (el auto­móvil), los nuevos métodos de trabajo en las fábricas (la cadena de montaje) y los nuevos medios de transmitir información (la radio) ya estaba transformando la forma en que la gente veía las cosas.

El cine y la fotografía, disciplinas que hasta entonces habían sido ig­noradas en gran medida por el mundo artístico, van adquiriendo ma­yor reconocimiento por parte de artistas como Hans Richter y Fer­nand Léger y, a la vez, un carácter cada vez más experimental.

El debate entre los defensores del “arte figurativo/Nueva Objetividad” por un lado, y los de “abstracción/Constructivismo”, por el otro, lle­gó a su fin, o al menos a una fase de suspenso, hacia comienzos de la década de 1930. En 1920 el director Walter Ruttmann afirmaba: “[La] especificidad del tiempo deriva fundamentalmente de la ‘velocidad’ de nuestra época […] Así pues, el sujeto de nuestra reflexión es aho­ra la evolución temporal en la fisionomía de la curva, que está some­tida a una transformación continua, y no ya la rígida yuxtaposición de puntos aislados”.

Los experimentos más audaces en el campo de la fotografía llegaron de la mano de Man Ray y László Moholy-Nagy, a través, por ejemplo, de sus fotogramas únicos (fotografías sin cáma­ra), o la muestra titulada Film und Foto (‘FiFo’), de la que Moholy-Na­gy fue uno de sus comisarios y que, tras su apertura en Stuttgart en 1929, viajó, vía Zúrich, a Berlín, Danzig, Viena, Zagreb, Múnich, Tokio y Osaka. La relevancia de esta muestra radica en que fue la primera en presentar juntos el cine y la fotografía, un paralelismo que hoy en día, en la era de la ubicuidad del teléfono inteligente, parece algo obvio.

CHRISTIAN SCHAD. Maika, 1929.

SALA 202. LA REVOLUCIÓN DE LA MODA

Esta sección analiza cómo los cambios en la autopercepción de mu­jeres y hombres anteriormente mencionados se expresaron a través del prisma de la moda. Hasta el momento presente, el “pequeño vestido negro” de Coco Chanel que surge hacia 1927 continúa siendo la ex- presión más intemporal de la emancipación de la mujer, que se hace visible en la moda. La ropa se hizo más funcional, mientras la silueta cobró un mayor protagonismo. La nueva mujer, “garçonne” o “flapper”, se convirtió en consumidora entusiasta de los productos de la moderna industria cosmética, experimentando también con la cirugía estética, que pasó de reconstruir los rostros desfigurados de los heridos de guerra a la búsqueda de ideales de belleza.

En 1927 el creador de moda Lucien Lelong escribía: “La dieta, el ejercicio, los aparatos y tratamientos reductores, la extensión de los deportes al aire libre —o eso dice la opinión generalizada— lo han conseguido. La mujer moderna se ha convertido en arquitecta de su propia fi gura. Ha logrado rehacerse a sí misma conforme a su propio ideal […] Hoy en día las mujeres siguen siendo jóvenes a los cuarenta”.

En la industria de la moda el sector de la seda cobra gran importancia como proveedor. En 1920, Suiza era sinónimo de industria sedera, siendo la mayor de Europa y con sucursales también en Estados Unidos En esta sección, algunos ejemplos históricamente significativos atestiguan la amplia gama de productos de seda y la sinergia existente entre los artistas y la industria. Este sector hoy olvidado fue fundamental para el auge económico y para la consolidación de una Suiza moderna y próspera.

SALA 203. TRABAJO Y OCIO

Los iconos del diseño y la arquitectura de la década de 1920 se han introducido firmemente en nuestro imaginario sobre la época. Llevar una vida distinguida era posible fundamentalmente gracias a los cambios en el mundo laboral. Indudablemente, la transformación de mayor calado para la vida cotidiana de la gente fue la introducción de la cadena de montaje en las fábricas. Además de permitir la produc­ción en masa de bienes de consumo, también redujo las horas de tra­bajo de los obreros, dando lugar a una floreciente industria del ocio.

La escuela de diseño Bauhaus, fundada en Weimar en 1919 y en Dessau en 1925, se dedicó a construir una sociedad mejor y más de­mocrática a partir de la educación y la cultura. En 1928 Josef Albers decía que la profesión de artista podía encajar perfectamente en la so­ciedad: “Nos hallamos en una época orientada hacia lo económico. […] Experimentar es más importante que estudiar y un comienzo lúdico infunde ánimos. Por eso no empezamos con una introducción teóri­ca: al principio está solo el material”.

En 1928 se inauguró el Congrès Internationaux d’Architecture Moderne (CIAM, 1928) en el castillo de Hélène de Mandrot en La Sarraz, una localidad de la Suiza de habla francesa; en sus primeros encuentros, algunos participantes, como Karl Moser (su primer presidente), Le Corbusier, Walter Gropius y Ge­rrit T. Rietveld proclamaron nada menos que una arquitectura social­mente responsable que representara el espíritu de la época. Este as­pecto también llegó a la esfera del diseño, como se ve en las sillas de diseño icónico que se presentan aquí.

SALA 208. NUEVAS NOCIONES SOBRE EL CUERPO

En esta sala el espectador se encuentra con las nuevas percepciones y formas de danza, a través de figuras rutilantes como Suzanne Perro­ttet y Rudolf von Laban, que fueron precursores de la danza expresio­nista en Alemania, Valeska Gert, Mary Wigman, Anita Berber o Gret Palucca. Sobre esta última el fotógrafo y pintor Moholy-Nagy afirmó con gran entusiasmo en 1927: “Tratamos de formular una nueva esté­tica, y aún nos faltan las bases elementales […] El cuerpo de Palucca, ella misma, es un medio de representación de la más pura expresión de una nueva cultura de la danza”. Este período vio también cómo el jazz llegaba a Europa procedente de Estados Unidos, trayendo consigo soni­dos con una expresión especialmente potente y vibrante que cambia­ban la percepción del tiempo.

Uno de los grandes retos de la década de 2020 es cómo lograr el equilibrio entre el cuerpo, la mente y la sociedad. La danza es una me­táfora válida para ese anhelo —tanto en los años veinte como en la ac­tualidad—. Se suele decir que la generación de 1968 dio paso a una re­volución de lo físico que marginó los modelos tradicionales en favor de una conciencia más amplia y asertiva del cuerpo. Como vemos, lo mismo podría decirse de la década de 1920. En esta sección, artistas contemporáneos como Rashid Johnson y Shirana Shahbazi exponen la actualidad de estos discursos hoy en día.

SALA 209. DESEO

La quintaesencia de los “locos años veinte” la constituyen los bai­les nocturnos, extáticos y cargados de sensualidad, de Montmartre y Montparnasse en París, o de Moka Efti en Berlín. La exposición con­cluye con esta manifestación explosiva de un modo de vida emanci­pado y sensual, en el que la figura más célebre es la bailarina Josephi­ne Baker. Fue la primera persona de color que se convirtió en estrella del espectáculo, logrando el éxito en Europa en lugar de en Estados Unidos natal debido a la segregación y a la prohibición existente.

A Josephine Baker se atribuye la introducción y el éxito del charlestón en Europa. Su influencia fue tal que las mujeres pari­sinas de característica tez blanca se aplicaban cremas de nueces para oscurecer su piel y así parecerse a la imponente bailarina, conocida como ‘la diosa de ébano’. Gracias a su carismática per­sonalidad, talento y absoluta libertad a la hora de mostrar la ex­presión corporal y espiritual sobre el escenario, Baker no tardó en desarmar a sus detractores y cosechar espectaculares triunfos.

En esta sala el espectador podrá disfrutar de diversas experien­cias que complementan la exposición a través de una concepción escénica intelectual, como la de los cabarets literarios, y a la vez emocionante, a través de los colores, perfumes, películas y músi­ca de la época. Así, el visitante podrá bailar al ritmo de jazz, char­lestón, o las chansons de la época, y también escuchar a los com­positores clásicos de la música dodecafónica.

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