Donna Honarpisheh / HYPERALLERGIC
El Museo de Brooklyn, Nueva York, intentó mostrar una narrativa del legado de Picasso con It’s Pablo-matic : Picasso según Hannah Gadsby, pero ha sido criticado por su falta de compromiso crítico con las aportaciones estéticas de las mujeres artistas que esgrime y sus tenues vínculos con el corpus de Pablo Picasso.
La muestra, aunque vaga en su encuadre, plantea cuestiones importantes sobre el papel de los museos públicos y su (de)construcción de los cánones históricos del arte. En lugar de poner a Picasso en primer plano, la muestra podría haber logrado su objetivo de manera más eficaz si se hubiese centrado en las contribuciones específicas de artistas feministas como Betye Saar, Mickalene Thomas y Marisol Escobar, entre otras pioneras del arte moderno y contemporáneo, en sus propios términos.
Catherine Morris y Lisa Small, las curadoras del Museo de Brooklyn que organizaron la muestra con Gadsby, han reunido una muestra de trabajo en su mayoría decente de las colecciones del museo. Hannah Gadsby, la comediante cuya actuación de 2018 Nanette presentó a Picasso como un emblema de la misoginia, se acredita como co-curador, pero su participación es azarosa.
Aparte de la audioguía, su presencia principal es una serie de etiquetas murales, que acompañan las obras de Picasso con sus bromas y opiniones. Estos subtítulos se sienten como apartes en lugar de críticas, y en general, la exhibición tiene un aire ligeramente confuso, como si todo hubiera sido instalado antes de que alguien trajera a Gadsby para adornarlo. Los subtítulos son inofensivamente aburridos: muchas personas se reían cuando vi el programa. Es posible (quizás incluso preferible, en algunos casos) omitir estos subtítulos y tener una experiencia totalmente diferente
Préstamos infravalorados de otras culturas
Al ver la exposición queda claro que no hay una asociación estética con Picasso de los artistas representados. ¿Cómo sería una exposición que abordara críticamente las formas modernistas de Picasso y las de sus interlocutores globales?
Si, como sugirió Edward Said en los años noventa, se debe leer “contrapuntísticamente” para revisar los fundamentos reprimidos del colonialismo del canon occidental. ¿Qué innovaciones formales podríamos encontrar? ¿Qué perspectivas sobre la relación del Modernismo con la raza y el género podríamos obtener al situar a Picasso dentro de un legado global del cubismo?
Picasso, como otros modernistas, inequívocamente tomó prestado del arte y la gente de países y culturas no occidentales, sean máscaras africanas o representaciones orientalizadas de mujeres argelinas, entre otros temas femeninos anónimos. Estos linajes permanecen infravalorados en la genealogía del cubismo. Con demasiada frecuencia, el consenso crítico acredita al genio singular de Picasso y no a las formas de arte no occidentales que las colecciones y ferias coloniales trajeron a Europa.
Explorar este legado, junto con la importancia del trabajo de Picasso para los artistas de naciones no occidentales y sus diásporas, podría haber ofrecido un marco propicio para ampliar el legado del artista, al tiempo que señalaba la herencia de las historias coloniales de Picasso y la perpetuación de las imágenes orientalistas.
Si bien, en general, se hace referencia al uso que hace Picasso del arte clásico ibérico, africano y egipcio como fuente de inspiración, el impulso etnográfico y «primitivista» del modernismo sigue siendo una parte menor de la narrativa ampliamente aceptada de la formación estética del cubismo y de la exposición.
El uso que hace Picasso de las máscaras africanas en la pintura tiene un doble efecto: transforma la verosimilitud de la pintura europea en formas abstractas y revela el enredo intrínseco entre la destrucción de las formas tradicionales por parte del modernismo y su fascinación por lo elemental.
Aunque Picasso a menudo negaba su interés por el arte no occidental, en muchos sentidos estaba formado por un legado histórico del arte europeo arraigado en una dinámica colonial no reconocida, incluidos sus predecesores orientalistas Eugène Delacroix, Jean-Auguste-Dominique Ingres y Pierre-Auguste Renoir, y en particular, su contemporáneo Henri Matisse.
Creada al comienzo de la Revolución argelina, la famosa serie de Picasso Les Femmes d’Alger (Mujeres de Argel, 1954-1955) fue una respuesta a Las mujeres de Argel en su apartamento (1834) de Delacroix. El momento de la serie de Picasso puede reflejar su propio cierre al modo realista –con todas sus imágenes exóticas y románticas– que había dominado las formas de arte europeas.
Si bien la participación colonial de Europa siguió siendo un elemento reprimido en el arte de Picasso, el encuentro del colonialismo con otras culturas también abrió discusiones sobre la otredad, la violencia y el enredo de formas culturales que han sido abordadas por artistas fuera del canon blanco euroamericano.
Las metamorfosis de «Guernica» y un mensaje siempre nuevo
“Guernica” (1937), por ejemplo, ha sido citado y transformado en contextos culturales globales por artistas como Bahman Mohasses, Faith Ringgold y Raghava KK, entre muchos otros, que crearon obras sorprendentes que enlistan el poder político y estético de la pintura mientras la integra con otros contextos visuales y políticos que hacen referencia a la violencia estatal en todo el mundo.
Picasso fue parte de un legado de artistas antifascistas que utilizaron la subversión de signos y símbolos del cubismo como un medio para destruir las formas tradicionales en el arte, desorientando al espectador y eludiendo los modos convencionales de representación. Sin embargo, enfatizaron la forma en que las figuras abstractas podían producir energías psíquicas y sentimientos que no estaban restringidos a un lugar o figura, sino que podían introducir imágenes y formas de percibir que superaban los eventos históricos y podían crear significado en contextos culturales.
Una institución del siglo XXI no puede centrarse en el legado de Picasso y no destacar también las formas, los artistas y las prácticas globales del canon euroamericano del arte cubista y abstracto que permanecen omitidos. Hacerlo es irresponsable.
Utilizando It’s Pablo-Matic como punto de partida, la siguiente es una muestra no exhaustiva de artistas cuyas obras están directamente vinculadas a Picasso y ofrecen perspectivas que están marginadas en el canon histórico del arte euroamericano:
Baya Mahieddine (1931-1998)
En las pinturas de Baya se encuentran símbolos de los cuentos populares argelinos: pájaros que se transforman en serpientes y princesas que se desdibujan en los arroyos de los ríos. Sus gouaches de mujeres argelinas, algunas individuales, otras parejas, están formadas por líneas curvilíneas y colores vivos que atraen al espectador. La artista argelina (que a menudo se llamaba por su nombre de pila) inspiró las obras de André Breton, Henri Matisse, y Picasso y, sin embargo, su obra rara vez se ha mostrado junto a estas grandes figuras.
Zubeida Agha (1922-1997)
Una artista pionera en el modernismo pakistaní, las exploraciones de Agha en la abstracción priorizan el ritmo y el estado de ánimo sobre el contenido. Inspirándose en la atención del cubismo a la forma y el color, junto con artistas como Amrita Sher-Gil, conocida por sus impactantes retratos de mujeres, las pinturas de Agha ofrecen una alternativa a las representaciones realistas del paisaje posterior a la partición a través de la expresión del color y la línea en su obra, en lugar de reflejar nuevas barreras y límites.
Bahman Mohasses (1931-2010)
Mohasses fue un modernista iraní cuyo corpus no podía asimilarse fácilmente a los movimientos nacionales del Modernismo anclados en las tradiciones iraníes locales como el Movimiento Saqqakhaneh contemporáneo o las “escuelas” canónicas de arte moderno. Sus obras de pintura, escultura y collage incorporaron minotauros, cabezas sin rostro y figuras andróginas. La obra de Picasso permitió a Mohasses concebir la destrucción no simplemente como violencia repetida a lo largo de la historia, sino como un medio a través del cual se podía crear arte.
Fe Ringgold (1930–)
El impresionante trabajo acolchado de Ringgold, que confronta la apropiación de las máscaras africanas por parte de Picasso, extrañamente no se encuentra en la exposición del Museo de Brooklyn. En “Picasso’s Studio”, Ringgold expone la deuda del Modernismo con las artes africanas, centrándose en el personaje de Willia Marie Simone como modelo y artista, rodeada de Picasso y las máscaras que fueron parte integral del desarrollo del cubismo. El texto en el borde de la colcha le da a Willia una voz como creadora activa en la historia de los orígenes del Modernismo.
Ahmed Morsi (1930–)
Como figura importante del modernismo árabe, Morsi es un poeta, pintor y crítico de Alejandría, Egipto. Tras mudarse a Nueva York en 1974, sus característicos retratos de figuras estilizadas comenzaron a incorporar referencias al mar, junto con otros símbolos recurrentes: peces fuera del agua, caballos míticos y figuras abstractas con ojos almendrados. «Mujeres que lloran II» cambia la mujer que llora de Picasso por los rostros colectivos de mujeres iraquíes que lloran por la pérdida de vidas y familias árabes a manos de las guerras instigadas por Estados Unidos. Morsi es autor de la primera monografía en árabe sobre Picasso.
Yinka Shonibare (1962–)
Usando objetos de la antigüedad europea y artes africanas, la artista británico-nigeriana crea esculturas, edredones y máscaras africanas que cuestionan la dirección de la apropiación y la dinámica de la “autenticidad” cultural (posicionando a los artistas no occidentales como productores de cultura alejados de contextos globales o transformaciones culturales). Shonibare subvierte la dinámica colonial en la que los modernistas euroamericanos se apropiaron de obras no europeas al hacer piezas híbridas que interrumpen estas dinámicas de poder en la cultura y la exhibición.
Farah Atassi (1981–)
Las mujeres están en el centro de las audaces pinturas de Atassi, que están llenas de llamativas formas geométricas y líneas que definen el espacio y la profundidad. Al actualizar el cubismo para la actualidad, Atassi vigoriza el tema de la modelo femenina, un elemento básico del cubismo dominado por los hombres, al dotar a sus modelos de un sentido de subjetividad en el mundo contemporáneo.
A la cabeza del legado de Picasso y su papel en la narrativa más amplia de la abstracción euroamericana se encuentra una preocupación por la reconsideración de los modos tradicionales de representación en el siglo XX.
Los artistas mencionados son parte de este linaje y aportan nuevas dimensiones a una narrativa global de abstracción e innovación formal en un mundo donde la violencia continua rompe la relación entre imagen y significado, así como los modos de percepción. Estos artistas no solo interrumpieron las convenciones de creación de imágenes en sus propias tradiciones nacionales, sino que también presentan perspectivas anticoloniales, antirracistas y feministas que a menudo se omiten en el modernismo euroamericano. El poder de tal marco comparativo radica en lo que estos artistas pueden, con sus propias formas y perspectivas, enseñarnos sobre el mundo.
También en Cambio16.com:
Conforme a los criterios de 
Saber más
